Nous avons rendez-vous, avec Charles Ray, au musée Centre Pompidou, où une dizaine de ses œuvres sont exposées.  Une autre exposition, simultanée, à lieu à la Bourse du Commerce - Pinault Collection, avec une vingtaine d’autres sculptures. 

Le lieu de la "réception" définit, tout de même un peu, le style de l’artiste : contemporain. Mais toujours curieuse, j’y vais. La guide, nous informe, que l’artiste était présent au vernissage, ce qui permit certaines explications bien particulières. 

Dès l’entrée en salle, une voiture, complètement défoncée, réalisée en fibre de verre peinte de gris. C’est un modèle Pontiac accidentée (Unpainted Sculpture, 1997). D’après l’auteur cela correspond au "temps qui s’arrête". La voiture fut "découpée", pour être réalisée en fibre de verre, par "tranche" puis "remontée". 

À proximité, un "Self portrait", grandeur nature, en fibre de verre peinte, vêtements, lunettes, cheveux synthétiques, en verre et métal. Je n’ai jamais vu un artiste, réaliser sa propre sculpture, certes… j’ai encore beaucoup de choses à voir ! Pas mal le monsieur, mais je lui préfère son chapeau, et surtout ses lunettes (rare sur le nez d’une sculpture) ! 

Un peu plus loin, "Portrait of the artist’s Mother", une femme allongée, soutenant sa tête, semble se reposer. Elle est plus grande que nature. Ses yeux sont peints, ainsi que de grandes fleurs sur le corps. Surprise comme beaucoup d’entre nous… elle fut réalisée dans l'atelier de l'artiste, en papier "fait main". Matière à la fois malléable et résistante pour permettre un rendu du détail des œuvres. L’ensemble pèse 9 kg. Charles Ray précisa : "Je suis sculpteur de métier, mais la nuit je dessine des fleurs afin de laisser libre cours à mon amour de la couleur. Comme des fleurs sauvages dans un pré, ces dessins viennent d'eux-mêmes."

Un mannequin, (Fall ’91, créée en 1992), agrandit à 30 %, d’une hauteur de 2,05 m, en fibre de verre peinte, cheveux synthétiques, vêtements et bijoux, en verre et métal, elle pèse 90 kg. Nous n’avons pas pu résister au plaisir de comparer l’une d’entre nous, à ses côtés… il n’y a que la jupe qui dépareille… et la taille ! Chacun sa préférence, pour son mannequin ! 

Puis nous arrivons, devant "Shoe Tie, 2012" en Acier inoxydable. Il s’agit d’un homme, accroupit, il lace sa chaussure droite. Je ne vois pas la chaussure… ni même son pantalon ! J’ai oublié de vous préciser, qu’il a emprunté le costume d’Adam… Quant à Charles Ray il dira à propos de cette sculpture : "Un matin, sur le chemin, alors que je refaisais mes lacets dans l'obscurité, je me disais que si un fantôme devait lacer sa chaussure, il n'aurait pas besoin d'avoir une chaussure. Je ne crois pas aux fantômes, mais la logique de cette idée m'est restée. Finalement, j'ai perçu ce geste comme une sculpture." Témoignage, qui montre que la "parole" de l’artiste change tout ! 

En suivant notre chemin on tombe face à face, avec toute une famille… composée de 2 adultes, une fillette et un garçon. Ils ont tous, sensiblement la même taille, agrandie pour les enfants et diminuée pour les parents, mais aux proportions correctes. 

La nudité accentuée et la taille des personnages, me semble… juste un peu bizarre !

À proximité, un tronc d’arbre couché (Hinoki, 2007), je ne crois, qu’il soit ici, pour permettre le repos, des visiteurs fatigués…  Charles Ray aurait repéré un chêne mort dans un champ de Californie, Il décida de le représenter, mais en cyprès japonais. "C'est une image, que vous regardez, ce n'est pas un arbre." Précisa-t-il, lors du vernissage... 

Toujours est-il, qu’un tronc de cette taille, ne pouvait suivre le chemin habituel des œuvres pour parvenir dans la salle du Centre Pompidou. Qu’à cela ne tienne ! Le transport releva de l'exploit, la sculpture fut montée par une grue, nous précisa la guide. 

Tout aussi surprenant… Les bateaux mis en bouteille, par des maquettistes, c’est courant. Mais un artiste mettre lui-même sa miniature, en bouteille ! cela n’est pas fréquent…. Seule information, la sculpture fut réalisée en fibre de verre, avant la bouteille. Mais là encore cela interpelle, par quelle "magie" technologique le personnage pénètre dans la bouteille ?  L’auteur n’a rien dévoilé à ce sujet, lors du vernissage, alors mystère !

Charles Ray, change souvent de technique et de matériaux. Fibre de verre, aluminium peint, papier, cire perdue, acier inoxydable. ….  La guide y revient souvent, lors de la visite.  Après ce petit tour, dix œuvres, c’est rapide, malgré 1h30, du savoir de la guide qui sut retenir toute mon attention, pour un contemporain ! C’est certainement cela qui m’a le plus intéressé…. Je reconnais que ces statuts en acier inoxydable rendent un effet curieux, ce qui a attiré, et bien plu à mon œil profane. … 

Arletteck

©2022by ArletteCk

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Balade dans un petit jardin (privé !) de les Missions Étrangères, en plein centre de Paris….

Bizarre, ce jardin, ne m’est pas inconnu. Déjà visité, lors d’une précédente exposition…

Mais cette première visite n’avait pas attiré ma curiosité à ce point !

En tant que "petit" jardin, à la française, il a tout de même une superficie de 1000 m2. Il fut dessiné en 1663 par un disciple de Le Notre, (le "jardinier" de Louis XIV !). Le plan n’a, pratiquement, jamais été modifier, même si quelques stèles ont été installées au fils des années.  

Jardin privé, parce que, vue de la rue, rien ne laisse penser qu’il existe. De plus, le jardin n’est ouvert au public, que lors : des Journée Européenne du Patrimoine, et des Journée des Jardins.

Jardin privé, aussi, parce qu’il appartient aux Missions Étrangères de Paris depuis 1684, et qu’il est caché derrière les logis des séminaires de celle-ci. Et de surcroit, pour y accéder il faut tout d’abord traverser le hall de ce bâtiment. 

Mais avant même cela, il faut franchir le portail, ce qui ne peut se faire qu’en suivant un guide…. 

Bref, on l’a bien compris : c’est privé !!! 

À l’entrée du jardin, un cadran solaire, des fois, que le temps ait son importance ! 

Il date de 1737, C’est une méridienne dont les traces sont orientées vers l’occident, gravées sur un muret en pierre. Le soleil, étant au rendez-vous, l’heure "définie" est 14 h 30.

Une fois arrivé dans le jardin, un superbe concert de "Coucou-Cuicui", en sol majeur, nous accueille. Ignorante en la matière, je ne saurais dire qui mène l’orchestre ! Rien ne trouble celui-ci, bien que les bâtisses de la ville l’entourent. Et parmi celles-ci, mitoyenne, celle du 118 rue du Bac, dont les fenêtres ont un regard sur ce jardin. 

Chateaubriand, y demeura en 1838 et y est mort en juillet 1848 et y trouva quelques inspirations… 

"En traçant ces derniers mots, le 16 novembre 1841, ma fenêtre, qui donne à l’ouest sur les jardins des Missions étrangères, est ouverte : il est six heures du matin … " — Chateaubriand, Mémoires d'outre-tombe.

À l’intérieur du jardin, un chemin déambule, devant différentes curiosités. Chacune commémore un évènement relatif aux missionnaires. 

L’oratoire : Les aspirants aux Missions étrangères s'y réunissaient chaque soir pendant un mois et prier pour les missionnaires qui venaient de partir. À cette occasion un cierge sur lequel étaient inscrits les noms des partants, était allumé. Cette tradition remonte au naufrage du Mercedes en mer de Chine en 1860, où huit missionnaires trouvèrent la mort. De plus dans cet oratoire, autour de la statue de la Vierge, figurent les noms de divers missionnaires canonisés en particulier par Jean-Paul II. 

Stèle coréenne. Située près de l’oratoire la stèle coréenne offerte par la cathédrale de Séoul à l’occasion de la canonisation des martyrs de Corée en 2003. La stèle porte les noms des martyrs, elle est soutenue par une tortue, qui symbolise la terre et la longévité, Elle est couronnée d’un chapeau avec deux dragons, symbolisant le ciel. La stèle représente l’union de la Terre et du Ciel dans l’Homme. 

À proximité, une plaque informe, sa raison d’être. Elle est accompagnée d’une lanterne de pierre, et d’une inscription votive.

La cloche chinoise : offerte en 1858 par le contre-amiral Charles Rigault de Genouilly au nom du corps français à Canton. Elle a été placée dans le jardin en 1873. Elle porte une inscription chinoise disant qu’elle était dédiée à Kouan-in, déesse bouddhique de la miséricorde en 1721. 

À part ces stèles, 4 statuts en bronze, ont leur place dans le jardin, elles représentent, le Christ en Croix, le Sacré-Cœur, (dévotion à Jésus), Saint Pierre, et Saint-Joseph. 

Ce jardin détient aussi un autre trésor… Il est planté de nombreuses essences rares, rapportées par les missionnaires en voyage au bout du monde. Sans oublier des abeilles qui y ont quelques royaumes… 

Au XXe siècle, certaines plantes exotiques découvertes par le père Jean-Marie Delavay mort en Chine le 31 décembre 1895, botaniste de plantes en Chine, sont ajoutées au jardin. Ce missionnaire avait rassemblé une des collections botaniques les plus importantes de la fin du XIXe siècle, dans une région limitée du Yunnan.   

Plusieurs autres missionnaires botanistes en Asie, offrent une variété de plantes, comme les rosiers Soulieana, Moyesii ou Roxburghii...et bien d’autres encore

Cependant, mes connaissances, en botanique, tout comme le concert, "Coucou Cuicui" sont peu fertiles…. Alors je me fais la promesse d’y retourner lors des portes ouvertes….

En attendant, je regarde, je respire, et j’écoute…

Et puis, en quittant ce "petit" jardin, je jette un coup d’œil sur la méridienne. Son ombre est plus courte …. Oui, le temps passe trop vite. ! 

Arletteck

©2021by ArletteCk

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ARVEM a eu la bonne idée de nous proposer la visite de l'Hôtel Turgot, magnifique hôtel particulier du 18ème siècle, où est installée la fondation CUSTODIA (bonne garde en latin) créée par un couple de néerlandais, passionnés d'art pour y réunir leur superbe collection : peintures, gravures, dessins, bibelots... et un mobilier somptueux, autant qu'original pour certaines pièces.

Cette visite a été un véritable enchantement.... Un grand merci Jeannette. 

AnnickB

Voyage au pays de Ilya Répine (1844-1930)

Grand peintre russe, il est passé dans les oubliettes pendant un certain temps, puis il surgit… Toute première rétrospective française, au Petit Palais, ses toiles soulèvent légèrement son œuvre. Près de 100 tableaux, ont fait le voyage, entre Saint-Pétersbourg et Paris, pour permettre cette rencontre. Pourtant, il en restera (bien dommage) juste quelques-uns que notre mémoire qui sélectionne tout, automatiquement.

Dans la première salle, tout de suite le regard est attiré, à ne plus voir autre chose que cette toile, gigantesque (presque 3m de long), scène où des hommes, tirent de toute leur force un bateau. Le tableau est nommé "Les Bateliers de la Volga". Une sensation sombre et dure de la souffrance de labeur, en contradiction avec la luminosité de la peinture. Puis c’est au tour de l’oreille d’être attirée par la voix de la guide, non, ce n’est pas une histoire qu’elle conte, c’est une vie qu’elle raconte…. L’auteur par sa peinture, témoin historique, de "sa" Russie…

Dans sa jeunesse Ilya Répine travaille comme peintre d’icônes, dans un atelier itinérant, en fonction des commandes. Très vite cette tâche ne le satisfait plus.

Dès le début de son activité créatrice, il fait partie du mouvement des "Ambulants" (groupe d’artiste, dans les années 1860 qui au sein de l’Académie des Beaux-Arts de Saint Pétersbourg, cherche à mettre en avant la réalité de la vie du peuple).

Répine, devient l’un des peintres importants du réalisme russe. Il passera quelques temps à Paris : Montmartre.

Par la grandeur, de ses peintures (non seulement en taille !) Il devient notamment le peintre témoignant de la vie, et surtout de l’histoire de Russie. Les Cosaques Zaporogues écrivant une lettre au sultan ...... (1880-1891) dépasse les 3,50 mètres. Ce tableau retrace le fait historique, montrant des Cosaques Zaporogues rédigeant un courrier débordant de mépris et d'insultes, au sultan ottoman, lui refusant leur soutien.

Le Visiteur inattendu représente la première réaction de la famille au retour d'exil d'un "narodnik" (groupe responsable de l’assassinat du Tsar Alexandre II). En 1884 Répine reçoit sa première "commande d'État" : il lui est proposé de peindre le tableau "Alexandre III recevant les doyens des cantons dans la cour du palais Petrovski à Moscou, grande peinture officielle (H. 3m, / 4,50). Le cadre, de ce tableau est orné des 25 blasons des subdivisions administratives de la Russie, ainsi que d’éléments décoratifs de ces régions.

Répine fut aussi un grand portraitiste, près de 300 portraits, portent sa signature.

Ses différents modèles : artistes, scientifiques, hommes politiques, femmes de la haute société… Il reçoit d’ailleurs de très nombreuses commandes. Marié et père, Il peint et repeint son épouse Verra, sa fille, son fils Iouri, qui sera peintre comme lui. Sans oublier les autoportraits, notamment avec Verra.  Ses amis, musiciens, acteurs, écrivains lui serviront aussi de modèle. Parmi eux, Léon Tolstoï, aussi bien un livre à la main, pieds nus, ou labourant, dont l’amitié ne fait que croitre, malgré leurs divergences, dans Tolstoï à travers les yeux d'Ilya Répine, plus d’une vingtaine de tableaux de Tolstoï, (plus croquis et dessins) sont de sa main. >

Répine, illustrera un certain nombre de manuscrits de Tolstoï, mais pour d’autres auteurs aussi. 

En 1899 Répine, et sa nouvelle compagne, Natalia Nordmann, s’installent à "Les Pénates", à Kuokkala, située dans le Grand-duché de Finlande, une partie de l'Empire russe, devenue indépendante en 1918, Répine est coupé de la Russie.

Il finira ses jours en 1930, dans cette ville. En 1948, elle fut renommée Repino pour honorer le peintre Ilya Répine. Il ne reverra jamais sa Russie natale, malgré les sollicitations de l’URSS.

Arletteck

©2021by Arletteck

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J'ai été éblouie par la magnificence de l'Opéra Garnier. Un vrai bijou ! Et par Charles Garnier, architecte talentueux et précurseur qui avait "tout" pensé.

Cependant, je sentis en notre guide beaucoup de mise en scène, prenant la pose de façon quelque peu arrogante. J'aurais volontiers accepté son attitude si les faits suivants n'étaient pas survenus :

- Il nous posait sans cesse des questions et attendait trop longtemps les réponses, comme si c'était un jeu.
- Il mettait trop l'accent sur l'architecture - qu'il ne fallait surtout pas éluder - et non l'histoire, la vie des artistes, des décorateurs etc...
- car l'Opéra Garnier est une Société dans la Société : tous les corps de métier sont représentés et rattachés à l'Opéra et méritent qu'un guide en parle en quelques mots.
- Puis la non-mention de la fameuse fresque de Chagall au plafond et son histoire est un manquement que j'ai du mal à admettre.

Je me suis sentie frustrée par le manque d'informations et la perte de temps occupée par ses questions, quelques réflexions d'ordre personnel  (la désorganisation du Palais... les interdictions en tous genres) qui n'apportaient rien à mon attente et... cette discussion de près de 10 minutes avec un des employés m'a véritablement choquée.

MartineC

Petit fil d’or, d’argent ou de soie, et perles, étaient utilisés au Moyen-âge pour la broderie. À cette époque c’était une activité professionnelle, autant pour les hommes, que pour les femmes, avec toutes ses règles.

Etienne Boileau dans son "Livre des métiers", est le premier à définir et réglementer les statuts de métiers parisiens, (rédigé en 1268, mais publié pour la première fois en 1837). Il précise, qu’un apprentissage de 8 ans, était nécessaire (tout comme nos médecins aujourd’hui !). Les brodeurs, n’avaient pas le droit d’exercer la nuit, mais il y avait dérogation quand ils travaillaient pour le roi.

Les peintres faisaient des modèles de tapisserie, qui étaient brodées. Hormis les rois et la cour, ces petits chefs d’œuvres, faisaient partie des tenues liturgiques des prêtres. Les chanoines avaient le droit, de porter la mitre brodée avec des perles.

Les chevaliers, quant à eux, faisaient broder leurs armoiries, sur les caparaçons de leurs chevaux.

Puis les dessins s'affinent et se compliquent.

Les points, se diversifient aussi. Le point compté, ne donne pas de relief. Cependant le point fendu, et le point lancé donnent une impression de romantique.

Quant au point couché il nous vient des anglais…

Mais ce ne sera qu’en 1770, que le Français Charles Gervais de Saint-Aubin, brodeur du roi, publia "l'Art du Brodeur", ouvrage détaillant les techniques de la broderie !

Cette exposition des broderies, dura 3 mois au Musée Cluny, dans des salles avec des lumières tamisées et peu agressives…. Et  pour laisser reposer ces bijoux de fils, ils seront isolés, de l’air, de la lumière… dans des papiers de soie, à plat, pendant 3 ans, avant de prétendre à une nouvelle parade, en public.

Arletteck

Je n’ai pas pris de notes trop absorbée durant la visite rendue si vivante grâce au guide dont l’accent, dès le début, m’a transportée au-delà de la frontière alpine.

J’étais en Italie pour suivre ses explications enrobées par sa façon chaude de s’exprimer devant chaque tableau, faisant ressortir la beauté du travail de l’artiste, qui a su rendre si réel, si profond le regard des personnages, la finesse des attitudes, la légèreté des mouvements, la délicatesse des gestes, la réalité de la chair, les défauts de la peau, aussi l’apport de la perspective.

Mais encore la splendeur des couleurs, la luminosité intense ainsi que sa particularité en la façon de traiter le noir, entre-autre, sur un vêtement par exemple, permettant d’en ressentir l’épaisseur ou identifier le type d’étoffe.

Des sujets essentiellement religieux, de beaux portraits expressifs, comme celui du souffleur sur la flamme au visage marqué, si naturel.

Des présentations de "variations" : deux compositions presque identiques comportant des évolutions, ce qui n’est tout de même pas courant.

Autrefois, lors d’un voyage j’avais été frappée par un tableau du Greco, gardant en mémoire le blanc du visage et du corps humain, traduit avec des nuances donnant tant de relief à confondre la peinture à une sculpture.

Mais nous avons pu découvrir que ce peintre était aussi architecte et sculpteur.

À plusieurs reprises, des comparaisons, des inspirations suivant le cas nous étaient démontrées sur tablette: nouveauté très appréciée, plus visible par tout le groupe, plutôt qu’une simple photocopie autrefois montrée.

C’est la première grande exposition pour laquelle des tableaux pour beaucoup viennent de l’étranger (Amérique, Canada, Espagne, Italie...) et je pense que de nombreux visiteurs auront été comme moi, impressionnés, peut-être même émus, face à des œuvres comparables à celles de Michel Ange, Le Titien, Vinci ou grands Flamands.

Cet homme né en Crète en 1541 s’installa à Venise puis à Rome, enfin passa plus de 30 ans à Tolède où il s’éteint en 1614. Il resta dans l’oubli jusqu’aux Impressionnistes qui sauront le redécouvrir et le comprendre. Puis à notre époque éblouir une foule d’admirateurs, levant les bras pour immortaliser leur visite, emportant avec eux des splendeurs dans leur boîte magique. Pour moi, elles sont rangées dans ma mémoire tant que celle-ci le voudra bien !

Ninette

© Photo by Les Yack

El Greco, le nom est rond et chantant… comme la voix du guide, qui nous accompagnait, fait peu fréquent, et agréable, c’était un homme.

Mis à part El Greco, et qu’il était peintre, je ne savais pas grand chose de cet artiste…. (Alors en route pour la découverte !)

Ses œuvres prennent 2 orientations, tout d’abord vénitienne, puis florentine. Grâce à  son ami Giulio Clovio il est recommandé et reconnu à l’école Farnèse (Rome), où il lui est commandé des icones, et des décorations de retable.

Les portraits qu’il réalise, sont typiques : les visages de ses modèles sont très allongés. Il utilise notamment beaucoup le noir pour les vêtements. Mais avec une telle nuance, que le volume du modèle est apparent.

Il sera expulsé de l’école Farnèse, pour avoir critiqué Michel Ange, ce qui lui fait prendre la décision de partir pour l’Espagne,  sous Philippe II, à Tolède qui était depuis longtemps le centre de la vie artistique, intellectuelle et religieuse. El Greco était aussi très cultivé… Les commandes religieuses et privées affluent, non seulement pour ses peintures, mais ses rares sculptures.

La couleur commence à apparaitre sur ces toiles. Plusieurs m’ont beaucoup impressionnée certainement grâce au commentaire du guide….

"Le souffleur" est l’un des seuls tableaux "profane" d’El Greco. Il fut réalisé, d’après la lecture qu’il fit d’une description d’un tableau initial, mais détruit. Le Picaro, est un jeune voyou, symbole de vice, et de péché. "Le souffleur", serait une mise en garde, de ne pas jouer avec le feu. "La Fable" reprendra cette idée du danger.

Le portrait ecclésiastique du Cardinal Don Fernando Niño De Guevara :

La main gauche, "s’accroche "presque comme des griffes, sur le bras du fauteuil, la main droite tombe détendue comme reposée. Le doigt indique le cartellino, plié en 4, au sol, invite à se pencher… et lire la signature du peintre"  (Un cartellino de l'italien signifiant petit morceau de papier, label, étiquette, est une note dessinée de façon réaliste dans une peinture).

 "L’ouverture du cinquième sceau" représente  l’Apocalypse demandant à Dieu, justice. Par cette toile El Greco, intègre le nu dans la peinture espagnole. Auparavant les peintres n’avaient pas le droit, de représenter le nu. "Aujourd’hui, coupé de 170 cm dans sa partie haute, principalement du ciel, elle était destinée à un retable de l’hôpital  de Tavera à Tolède, restée inachevé à la mort de El Greco en 1614. La toile ne sera jamais mise en place. Elle sera présentée au début du XXe siècle à Paris, elle inspira de nombreux artiste, dont Picasso".

Après la gloire à Tolède, El Greco aura une fin de vie ruinée et malade, allant jusqu’à l’oubli aux XVIIe et XVIIIe siècles, même par les historiens de l'art. À partir du milieu du XIXe siècle, inspirant certains peintres,  (un certain parallèle existe entre ce dernier tableau et  "Les demoiselles d’Avignon" en 1943, de Picasso).

Quelques collectionneurs, puis des artistes, l'ont redécouvert. À cette période, de nombreux tableaux de Greco, conservés dans les établissements religieux de Tolède, ont été vendus à Paris, plaque tournante du marché de l'art à l'époque.

De telles découvertes, non seulement sur l’artiste, mais sur les tableaux, J’aime !

Arletteck

© Photos by Les Yack

Mondrian… (1872-1944) est un peintre figuratif. Avant même l’expo, je me renseigne… sur internet. Ce que je découvre, ne me rassure pas trop, mais bon. J’y vais.

La peinture ne le fait pas vivre. Pour gagner sa vie il peint des portraits, ou des copies, qui lui sont demandés par des grands musées.

Salomon B. Slijper, (courtier immobilier collectionneur d’art) réfugié aux Pays-Bas durant la Première Guerre mondiale, se lie d’amitié avec Mondrian. Il en deviendra rapidement le plus grand collectionneur. Slijper achètera notamment, à Mondrian plus de 60 tableaux, sans même les avoir vu, cela au début de ses travaux. À peine connu, pendant sa période figurative (qui est d’ailleurs le titre de l’expo).

Depuis le début du siècle Mondrian s’oriente vers la théosophie. Petit à petit sa peinture aussi change d’horizon.

Vers 1911, Mondrian, vient à Paris, où il s’installe près de la Gare Montparnasse. Il découvre le cubiste analytique de Braque et Picasso, qui "analyse" la forme naturelle et le réduit en de simples parties géométriques sur deux dimensions. Mondrian abandonne le figuratif, pour s’orienter principalement vers le cubisme.

Ses peintures ne portent plus vraiment de nom, mais un mot, et un N° ou simplement collection N°, en fonction de l’exposition. Mais plus encore…. sur internet un tableau intitulé "Ocean 5, 1915, fusain et gouache/" est présenté horizontalement… lors de l’expo, il est affiché verticalement…… et rien (signature ou initiale) n’indique dans quel sens le tableau doit être accroché ! Je ne pense pas qu’il s’agisse d’erreur de l’un ou l’autre, et vue grandeur nature, change tout de son aspect. Mais alors… ?

L’expo qui montre plus de tableaux figuratifs,

que des peintures cubistes, et la guide pleine de tonus, qui répond spontanément à nos questions, ont fait disparaitre toutes mes appréhensions….

Arletteck

Visite guidée à la galerie minéralogique du jardin des plantes